Han grabado un disco ambicioso y ciertamente más difícil y oscuro que su aclamado “Beautiful Scars”, pero Jet Lag están decididos a apostar fuerte. De momento, el disco está siendo recibido con encendidos elogios. Entrevistamos a Juan Santaner, que nos da algunas de las claves que han guiado la composición y grabación de “Jet Lag”.
Este disco es bastante diferente a los anteriores en varios aspectos, ¿cuánto de grandes son las diferencias vistas desde dentro?¿Se trata de algo intencionado?
Es muy diferente, desde luego; puedes escuchar canciones de este disco en las que se atisba el rastro de canciones del anterior, y viceversa, pero en general es muy diferente, y sí ha sido algo bastante premeditado. Simplemente fue tomar la decisión de ir más allá, de avanzar… cuando empezamos a hacer el disco teníamos dos alternativas; repetir más o menos una fórmula que ya conocíamos y que, de hecho nos había dado buenos resultados en el disco anterior, o bien arriesgar y llegar hasta donde fuéramos capaces de llegar. Eso nos llevó muchas discusiones, o al menos muchas conversaciones acerca de los discos recientes que más nos gustaban y acerca de qué tenía que ser Jet Lag. Finalmente, Ramiro y yo, que somos los que componemos, decidimos que teníamos que atrevernos a hacer cosas nuevas, profundizar y avanzar en otras direcciones
¿Qué discos eran esos? ¿Quizá el “Yankee Hotel Foxtrot”, de Wilco?
No precisamente… no creo que sea la comparación más oportuna, aunque la verdad es que la gente está sacando parecidos muy diversos… yo me quedaría con la que hizo John Agnello, responsable de las mezclas del disco, que dijo que le sonaba a Flamin´ Lips… De todas formas, lo de Wilco me parece muy bien si te refieres al hecho de intentar hacer algo diferente, huir de recursos más o menos conocidos y fáciles, pero bueno en ese sentido este disco también se parecería al Marvin Gaye de “What´s going on”, que fue un disco que en Motown no querían sacar precisamente porque no era lo que todo el mundo esperaba. En ese sentido, como decía antes hay dos formas de hacer las cosas, que por supuesto son igualmente legítimas; está la de hacer siempre más o menos lo mismo, como los Ramones o los Rolling Stones, o intentar hacer un disco diferente cada vez, como los Beatles o el propio Marvin Gaye…
Supongo que en un mercado tan pequeño como el que puede tener en España un grupo como Jet Lag, la tentación de repetir fórmulas que han funcionado relativamente bien es grande…
Sí, pero es una cuestión de pura supervivencia como grupo; si cedes a eso, estás muerto como grupo. Lamentablemente, el 90% de la música que se hace ahora no se plantea como algo creativo, como algo artístico, sino como un producto. Nosotros planteamos el hecho de estar en un grupo como una sucesión de retos; cada paso que damos tiene que ser un reto. Lo ha sido hacer este disco y lo está siendo ahora preparar el directo
¿Vais a intentar ser muy fieles a lo que se puede escuchar en el disco?
Todo lo que podamos, porque es un disco que hemos hecho nosotros, en el que no hay trampa ni cartón, y queremos reproducirlo lo más fielmente en directo. Para eso tenemos ahora un sexto miembro, un músico que toca acústicas, pedal steel guitar, y dobro, y en algunos casos tendremos que utilizar algún sampler.
Una vez decidido el camino a seguir desde el punto de vista de la composición, la siguiente decisión supongo que tendría que ver con la producción…
Sí, y también le dimos muchas vueltas, porque lo primero que pensamos era si debíamos buscar otro estudio y otro productor. Sin embargo, pensamos que Paco podía ser el más adecuado porque iba a entender perfectamente lo que queríamos. En la primera sesión de grabación nos dimos cuenta de que era la mejor opción, y, de hecho, él fue decisivo para ayudarnos a dar pasos que a veces nos parecían un poco arriesgados, que incluso llegaron a crear fuertes debates en el grupo… llegamos a tener una sensación de inseguridad que él ayudó a disipar. También ha sido importante haber grabado el disco en tres sesiones diferentes; la primera sirvió para tantear un poco lo que queríamos hacer y en las otras dos ya fuimos directos a por ello.
¿Qué me dices de las colaboraciones? ¿Eran muy importantes para reafirmar esa dirección del disco de la que hablas?
No en ese sentido; eran importantes por tratarse de quien se trataba, porque son amigos y porque son muy buenos músicos. Pero, desde luego, cada uno está en su plano; era muy importante que las colaboraciones no estuvieran por encima de la canción, sino a su servicio, y creo que así ha sido.
Sin embargo, desde Bittersweet se han aireado mucho, imagino que tiene su tirón promocional tener a Gary Louris o a Stacey Earle en los créditos del disco…
Supongo que sí, pero ahí yo no me meto; eso es cosa de la compañía.
Con “Beautiful Scars” tanto el sello como el grupo trabajasteis de forma muy intensa, ¿estuvieron los resultados a la altura del esfuerzo o creéis que el mercado independiente no da para más?
Estamos muy satisfechos con los resultados; el disco tuvo muy buenas críticas y se vendió muy bien; además, se editó en Estados Unidos, se vendió muy bien en Japón…
Aunque apenas acaba de salir, la acogida del nuevo disco está siendo muy buena, ¿os esperabais algo así?
Pues la verdad es que no; entre nuestros amigos la gente se llevaba las manos a la cabeza, nos decían que estábamos locos por hacer un disco tan difícil, pero como te decía antes, lo verdaderamente gratificante es hacer un disco del que te puedas sentir orgulloso. Así que ahora la sorpresa ha sido muy agradable, porque es cierto que la respuesta está siendo muy positiva. Además, es que lo de hacer un disco pensando en las ventas no tiene sentido, porque al final nunca sabes qué va a pasar; no sabes si vas a vender 1000 copias o 100.000.
