"Manual de redención" es el segundo disco en apenas doce meses de Travolta, lo que demuestra la facilidad en la composición de Joaquín Pascual, facilidad acompañada de gran calidad y versatilidad en las canciones, disco que transcurre por los mismos caminos que el anterior, aunque en "Manual de redención" prevalezcan las guitarras sobre los pianos y la voz de Ana Galletero sobresalga más veces sobre las canciones que en la anterior entrega.

Con "Diska" Bombones juegan a la yenka con la historia del rocanrol, saltando de década a década, de género a género, sin ningún tipo de pudor, como quien lava, fumando. Pero lejos de ahogarse en ese batiburrillo, que en una primera escucha podría hacer que "Diska" pareciera un zumo hecho de los discos de un cajón de La Metralleta, esto es, todo caos y desorden, Bombones muestran una perfecta unidad en las canciones del disco, que, si nos fijamos en su portada, serían como los seiscientos, todos del mismo modelo (Modelo Bombones), pero reflejando ese arcoiris de géneros y estilos en los diferentes colores de los coches.

Con "Ahórrate las flores" Gastelo, compositora de todos los temas del álbum, consigue sobresalir sobre el resto de la avalancha de cantautoras más o menos eléctricas que pueblan el mercado, mostrando educación ante riot girls de grandes almacenes como Bebe, madurez ante la pasmosa noñería de Conchita, clase ante el erotismo vergonzante de Merche y demás clónicas, y relax ante desaforados graznidos como los de Malú. Todo esto lo supera Gastelo fijándose la obra de músicos como Quique González como diana, y acertando brillantemente en ella en buena parte de las canciones que forman el disco. Las letras de todo el disco, de amor y amistad bajo un punto de vista urbano y femenino, son bastante interesantes, luciendo en las canciones más interesantes de "Ahórrate las flores" un acumulacionismo que ayuda a subir la tensión de éstas.

Como un joven ángel de cuerpo frágil y voz cálida, prístina y pura que le cantara a sus propios pensamientos desde la media luz tenue de un crepúsculo ya avanzado, y lo hiciera sin pensar en el cómo, en el para quién o en el cuándo, dejando aletear su memoria emotiva entre nubes blancas inflamadas en forma de barbas de pluma mientras despierta sueña escenarios casi iguales a los ya vividos, réplicas a escala mental y onírica en las que es más fácil dotar a la experiencia de un orden y de un sentido, arquitecturas plásticas entre las que perderse en plena vigilia para volver del ensueño siendo capaz de insuflar luz a los claroscuros de una vida diaria tantas veces confusa… Así se imagina uno a Russian Red cada vez que se enfrenta a este disco.

Tras casi tres años de silencio discográfico (“¿Quién mató a Airbag?”, su celebrado último disco editado hasta la fecha, veía la luz en 2005), los malagueños Airbag vuelven a la palestra con un cuarto álbum que parece homenajear al “Pet Sounds” de The Beach Boys desde la tipografía elegida para adornar la portada y que se muestra igual de directo, conciso (trece temas en apenas treinta minutos) y energético que sus anteriores trabajos, aunque esta vez sus canciones -más elaboradas- hagan gala de un buen montón de pequeños detalles sonoros que apuntan hacia terrenos más pop (llámalo power pop si quieres) y menos revolucionados; la esencia del sonido Airbag (ese punk-pop vitalista, fresco y desenfadado que surge de agitar en una misma coctelera a Weezer, Ramones, Los Nikis, Shock Treatment, Los Vegetales y añadir a la mezcla un par de gotas de música surf y otro par de Spector y sus girls groups) se mantiene, pero el conjunto se muestra más variado, ambicioso y evolucionado.

El canadiense Jason Collet es conocido entre la afición “indie” internacional por su militancia en el singular, amplio y muy abierto colectivo de músicos Broken Social Scene, que incluso ha actuado en nuestro país en alguna de sus encarnaciones, y con cierto éxito. Pero los excesos ruidistas, barrocos y más o menos experimentales del multitudinario combo de Toronto poco tienen que ver con las coordenadas musicales y estéticas en las que se mueve Collet en solitario.

Escribir unos días después de la edición oficial de "Accelerate", el nuevo disco de R.E.M., tiene algunas ventajas.

La primera de ellas es que permite contar con datos concretos del impacto de este disco, a día de hoy aupado al nº 1 en casi todo el mundo, desde luego USA y UK, pero también un sorprendente 7º lugar en cifras de ventas en España, al lado de Estopa, Carlos Baute, Fito, Camarón, El Canto del Loco, Miguel Bosé o Joaquín Sabina, lo que demuestra por enésima vez que Valle-Inclán y su visión esperpéntica de la realidad se queda en nada comparado con el criterio de compra del consumidor medio de música en nuestro país. Habrá que felicitar a la locotomora de Warner por conseguir calzar a los de Athens, Georgia, entre los más vendidos.

Para cualquier músico la tarea de superar la obra tenida por todos como su obra maestra requiere mucho tiempo. Sr. Chinarro presenta su nueva obra, "Ronroneando", tan solo unos meses después de sacar esa obra cumbre, "El mundo según", y logra, con su perenne lucidez, quizá no llegar a la perfección de su anterior disco, pero sí mantener el nivel de composición en las once canciones que lo componen. Canciones que van por los mismos caminos de siempre, quizá en una estación menos primaveral que en anteriores obras, resultando así un disco mucho más triste y desolado que otros, aunque lo alegren los ribetes populares ya clásicos en las composiciones de Antonio Luque.

Tras dos celebradas maquetas publicadas en CD-R y un muy atractivo single de vinilo que veía la luz el pasado 2007 para regocijo de su pequeña milicia de selectos y entusiastas seguidores, Los Punsetes madrileños, grupo formado hace algo más de dos años por cinco compañeros de facultad fieles televidentes de las divulgaciones científicas de Eduard Punset, se atreven en estos primeros compases del 2008 a remojar sus pies en las siempre revueltas aguas del largo formato y entregan un disco homónimo (o mejor, sin título) que reúne once canciones de cuño propio y una versión de Daniel Johnston grabadas durante el pasado mes de enero en los estudios DGR Sónica de Madrid con el ineludible Ramón Moreira (Ginferno) al mando del apartado técnico.

Supergrass siempre han sido un grupo dado a los cambios de humor, a las vicisitudes, y aunque en su ya larga carrera (quince años de historia) hayan marcado cotas realmente brillantes con muchas de sus canciones, no hay que ser un gran observador para vislumbrar una trayectoria llena de altibajos. A sus álbumes más desinhibidos, alocados, directos y vivarachos siempre han seguido trabajos más templados, densos y plúmbeos. Y así, reafirmando la regla, en contraposición a la vibración intimista y la belleza sutil y nocturna de “Road To Rouen” (Parlohone, 2005), este “Diamond Hoo Ha” se presenta como un disco entusiasta, luciendo un sonido crudo, abiertamente rockero, optimista y animoso.

Ese ente postmoderno que forman la sensual y camaleónica Allison Goldfrapp y el multifuncional Will Gregory, auténtico cerebro musical en la sombra del grupo, ha decidido a la altura de su cuarto álbum reinventarse de nuevo. Y acostumbrado su público de última generación a los devaneos en clave electroclash de “Black Cherry” (Mute, 2003) o al glam-rock sintético, malhumorado y sexualmente ambiguo “Supernature” (Mute, 2006), el aire pastoral y bucólico que desprenden temas marcadamente acústicos como “Clowns”, “Cologne Cerrone Houdini” o “Eat Yourself”, a la postre algunos de los mejores momentos del álbum, cuando menos, sorprende.

Billy Bragg no es un cantautor prolífico, sin contar las grabaciones del 77 con su primer grupo Riff Raff en plena efervescencia post-punk y los dos proyectos de canciones inéditas de Woody Guthrie junto a Wilco titulados ”Mermaid Avenue I” y ”Mermaid Avenue II”, en 1998 y 2000 respectivamente, apenas nos salen unas pocas grabaciones.

El primer disco de Nick Lowe supone el paso definitivo del pub-rock con fuerte peso del rock de raíces e incluso del country-rock de la época de los admirables Brinsley Schwartz a su rutilante, esplendorosa época nuevaolera.

El comienzo de su carrera en solitario no podía ser mejor, y “Jesus of cool” (en América titulado “Pure pop for now people”) le mostraba ya absolutamente seguro de sus posibilidades como compositor.

Este segundo disco de Serpentina, tras "Blancamañana", editado en 2004 con Annika, sigue con naturalidad el camino iniciado por éste, pero con la destacable novedad del mayor protagonismo de la voz de María, la parte femenina del grupo. Doce canciones más templadas que cálidas, que juntas parecen la banda sonora de películas tipo "Elisa, vida mía", en las que se tropieza uno con las sonoridades de Francis Lai, con los arreglos de los Beach Boys, o con ese beat retenido de Juan y Junior.

A la vista de su bucólica página web, todo un ejemplo de minimalismo funcional y economía de medios, a uno le puede dar por pensar que Ben Chasny es un hombre de pocas palabras. Sencillo, cercano y desmitificador; quizás algo tímido cuando se trata de posar o de hablar con extraños, pero para nada esquivo o huraño. Si le preguntas, se explaya, aunque bien es cierto que a falta de un sujeto interrogante él prefiere expresarse enroscando sus dedos en el mástil de su guitarra.